Il a photographié près de 400 000 enfants dans 1650 écoles dans le monde, dans le cadre du programme Art in All of Us soutenu par l’UNICEF. L’un de ses clichés a été récompensé lors du Festival du sourire organisé par le musée du sourire en 2009, et présidé par Sabine Weiss, la photographe humaniste.…
Il faut de l’altruisme et beaucoup de générosité d’âme pour parvenir à saisir l’instant où le sujet bascule, où la sensibilité s’exprime. C’est la raison pour laquelle les photographes italiens Tiziana et Gianni Baldizzone nous touchent tant. Des images belles, nourries par l’universel. A l’ère des selfies et du nomadisme, au-delà des individualités, Tiziana et Gianni Baldizzone visent l’authenticité. Pas d’effets picturaux ni de collages sophistiqués. « Seulement la lumière naturelle. Nous nous sommes mis au rythme des artisans. On n’a pas cherché le geste mais uniquement à entrer dans le vif de la relation humaine ». Un regard direct posé sur l’humain avec sagesse et humilité. De la poésie à l’état brut, comme dans ce masque du théâtre Nô entre les mains de l’artisan japonais où le sourire se grave dans l’air blanc.
Vendredi 21 août 2015, dans la petite ville balnéaire endormie du Somerset, au sud-ouest de l’Angleterre, à une trentaine de kilomètres de Bristol, s’ouvre Dismaland (association du mot « dégoût » en anglais et de Disneyland), ce que le street artist anglais Banksy appelle son « Bemusement Park » (jeu de mot entre parc d’attractions et perplexité). Le Musée du sourire a acquis le catalogue de l’exposition historique faisant figurer sur la couverture, un smiley ironique et particulièrement rayonnant. Le compte Instagram de Banksy
Sous le regard chaleureux de la femme âgée dessinée par Gilles Barbier, un univers s’ouvre. Ses rides profondes tracent des chemins de vie que l’on devine pleins de récits. Ce sourire, loin d’être seulement une expression figée, semble être une invitation. Une vigie du temps, un phare dans l’océan de l’existence. En contemplant son visage, on est frappé par l’émotion que dégage l’œuvre intitulée « Habiter le visage » (2017). Ce fusain semble capturer non pas un instantané de vie, mais une multitude d’histoires suspendues dans le temps. Lorsqu’on s’approche pour la première fois de cette pièce, on est frappé par la richesse des détails. Les baraques suspendues qui jalonnent les rides du visage forment un paysage miniature, une architecture improbable où chaque construction semble s’ancrer dans des souvenirs. Ces petites maisons blanches, posées comme des observatoires, ne sont pas là par hasard. Elles deviennent les témoins des émotions, des espoirs et des luttes d’une vie humaine. Gilles Barbier transforme ce visage en un territoire habitable. Les rides, que l’on associe souvent au passage inexorable du temps, se transforment ici en routes, en crevasses explorables. Le regardeur, presque involontairement, se projette dans cet espace, devenant un voyageur arpentant ces sillons. Il y a dans cette œuvre une proposition : celle de voir la vieillesse non pas comme une perte, mais comme un lieu, un refuge chargé d’histoires. Face à ce sourire, quelque chose de profondément humain se révèle. C’est une œuvre qui touche, car elle dépasse les frontières de l’esthétique pour pénétrer dans le domaine de l’intime. On ressent un mélange de tendresse et de respect. Ce visage pourrait être celui d’une grand-mère, d’une amie disparue, ou même une projection de soi dans l’avenir. C’est une méditation sur la fragilité, mais aussi sur la force et la résilience de l’humain. Le paradoxe de Gilles Barbier est qu’il parvient à figer un instant tout en donnant un souffle de vie à son œuvre. Les variations du fusain, les ombres discrètes qui sculptent le visage, tout cela donne à cette femme une présence presque tangible. L’œuvre ne se contente pas d’émouvoir. Elle interroge. Que signifie « habiter un visage » ? Est-ce une réflexion sur l’identité, sur le fait que nos traits portent les marques de ce que nous avons traversé ? Ou est-ce une métaphore plus large sur notre capacité à faire de tout espace – même un visage ridé – un lieu vivant, peuplé de sens ? Avec sa capacité à mêler le réel et l’imaginaire, l’artiste nous pousse à combler les vides. Il transforme le familier en inconnu, et l’inconnu en un terrain d’exploration. En regardant cette femme âgée, on ne peut s’empêcher de se demander : quelles histoires raconte-t-elle ? Et quelles histoires sommes-nous, nous-mêmes, en train de raconter à notre insu ? « Habiter le visage » est plus qu’une œuvre d’art. C’est une fenêtre sur la façon dont nous percevons le temps et les traces qu’il laisse en nous. L’échange a lieu. Puis c’est comme si cette femme nous avait confié un secret : celui de vivre pleinement chaque moment, et de porter nos rides, nos sourires et nos souvenirs comme des œuvres d’art en soi. Gilles Barbier est un artiste qui parle à l’humanité dans son ensemble, mais aussi à chaque individu en particulier. Il interroge les failles de nos identités, les zones d’ombre de nos souvenirs, et les multiples manières dont nous habitons le monde. À travers ses œuvres, il nous invite à embrasser l’incertitude, à accepter les lacunes comme des opportunités d’imaginer et à voir le réel comme un espace en constante transformation. Dans un monde saturé de données et de stimuli, Gilles Barbier nous rappelle qu’il est encore possible – et nécessaire – de rêver, d’inventer et de nous perdre dans les marges. Ses œuvres sont des invitations à voyager dans les territoires infinis de l’esprit humain. Pour en savoir plus sur Gilles Barbier
« Don’t smile », « Fermer les yeux », « Tous egos »… des titres évocateurs qui reprennent ce que Ben a écrit sur ses tableaux de cette écriture blanche sur fond noir qui a fait sa célébrité, comme écrit à la craie sur un tableau d’écolier. Ben appelle ces petites toiles des « tableaux-écritures ». Cet appel provocateur à ne pas sourire a été acquis auprès de la galerie Lara Vincy en 2019. La plaque a été dédicacé au Musée du sourire par l’artiste qui a ajouté le dessin d’un large sourire. Ben explique : « C’est le sens qui compte et non pas le graphisme, la toile est là pour dire une vérité : les vérités objectives (« ce tableau pèse 2 kg ») ou les vérités subjectives. »> www. le site de Ben www.ben-vautier.com
Art is the antidote » #251 de Florent Boisard est le premier NFT acquis par le Musée du sourire en novembre 2021: on y voit une bouteille dans laquelle est inclu un tableau, il s’agit d’une oeuvre à message… En 2020, pendant le confinement, le peintre a imaginé une série d’images reprenant un message positif au nom de l’art et des artistes. « Douceur là où le monde se fracture », explique l’écrivaine Marie-Line Baizamont. Connu pour ses aérographes colorés, ses lignes courbes et son approche gestuelle du dessin, Florent Boisard (né en 1973) choisit la plateforme OpenSea pour y jeter un millier de bouteilles pleines d’optimisme. Dans le flot des productions NFT, le Musée du sourire aura attrapé la bouteille aux couleurs de l’éther. instagram.com/florentboisard
C’est dans le métro parisien en 1982 que l’artiste Blitz, de son vrai nom Jean-Baptiste Pontecorvo, s’est fait connaître défavorablement des services de police. Le trublion des agents de la RATP a fait partie des premiers graffeurs français. Il fréquente Keith Haring, partage ses bombes avec JonOne, croise le chemin d’André Saraiva. « Tous les week-ends, on entrait dans les catacombes via une plaque d’égout rue des Feuillantines, près du Panthéon, se souvient l’artiste. Il fallait descendre par une échelle, arpenter des petits couloirs, se casser parfois en deux pour passer. » Véritable pionnier du street art en France, en 1992, il participe à l’exposition collective « Rencontre franco-américaine du graffiti » au Musée des Monuments français. A l’invitation du Musée du sourire, il réalise le 3 juin 2023, le graff de la boutique du musée. « J’ai choisi une typo Bubble… Avec la Force Alphabétick, le collectif fondé dans les années 80, on avait l’habitude de signer avec un CK », dit-il. Autre création, et non des moindres, le Plan d’évacuation du Musée du sourire. Avec humour, il indique l’emplacement des oeuvres, celui de l’extincteur et les sorties de secours. Sa « Boutick » se trouve à l’entrée, dans le Corner shop.
Vase, écharpe, coussin… Maurizio Cattelan et le photographe Pierpaolo Ferrari signent pour Seletti une collection capsule à la fois provocatrice, drôle, absurde, déviante… Les pièces sont ornées d’images tirées du magazine Toilet Paper, fondé en 2010 par les deux artistes italiens. Doigts coupés parfaitement manucurés, savon croqué, poisson farci de pierres précieuses, canari à l’aile coupée, bouche souriante dévoilant des chicots et mentionnant le mot SHIT ! Les motifs oniriques et teintés d’humour noir de Toilet Paper empruntent à la mode, à la publicité, combinant photographie commerciale, récits visuels tordus et imagerie surréaliste. Le vase SHIT est un cadeau reçu en mares 2022… merci Patricia !
Une personnalité engagée, Roman Cieslewicz envisageait son rôle de graphiste en prise directe avec l’actualité. C’est ainsi une affiche de Mai 68 réalisée pour illustrer la couverture de la revue Opus qui a intégré la collection du Musée du sourire en mars 2018. Pas n’importe laquelle : « La Joconde », une larme de sang sur la joue en écho au mouvement contestataire en France… Artiste majeur de la scène graphique de la seconde moitié du XXe siècle, Roman Cieslewicz (1930–1996) est un acteur majeur de l’École de l’Affiche polonaise avant de conquérir le monde du graphisme au cours des premières années qui suivirent son arrivée en France.
Paris, Munich, New-York… C’est un regard insolite et tendre qui traverse les scènes de vie croquées par la photographe belge Louise Cops. Sous l’objectif globetrotter de cette architecte de formation, qui a grandi au Congo, et vit désormais à Paris, l’esprit décapant et libre s’exprime, nourri de lignes et d’harmonie. L’œil saisit un point de fuite, s’enroule dans des rondeurs surgies d’un banc, embrasse l’espace d’une gare vide de ses trains et de ses voyageurs. « Le flâneur cherche des espaces libres », affirme le philosophe Walter Benjamin dans Le Livre des passages. Un vendeur attend le touriste occasionnel aussi immobile que ses tours de métal, des télescopages urbains sont pris à la volée comme ce pochoir montrant un chien face à un smiley rayonnant… La lumière parle dans chacune de ses photographies. Les matériaux, aussi. L’émotion peut ainsi jaillir de la brillance d’un asphalte mouillé, tel un secret imprégné de bitume. Le passage rapide d’une voiture ou les reflets rougeoyants d’un néon contrastant avec l’ossature austère d’un bâtiment, et c’est toute la scène qui s’anime dans un éloquent silence. En toute beauté, il est une blessure secrète. La photographie du chien vagabond a intégré la collection du Musée du sourire en novembre 2023. Tirage unique, signé.
La matière première de Claude Closky, ce sont les mots, les signes, les nombres qu’il ordonne et réorganise jusqu’à semer le trouble. Des jeux de pistes altérant les automatismes de nos systèmes de représentation, et un goût de l’accumulation et des classements rationalisés comme à travers ses « 1000 premiers nombres classés par ordre alphabétique ». Le sourire de l’absurde, le sourire d’un « Hihihi » graphique sur une feuille quadrillée a intégréle musée. Claude Closky a joué sur le décalage des petits carreaux. Son rire dessiné est une exception dans le musée, comme tout ce qu’il fait.
Dans son « Tour des Mondes » initié dans les années 90, Hervé di Rosa a séjourné au Viêt-Nam, au Mexique, en Espagne… « Ce qui m’intéresse, dit-il, c’est le moment où la pratique traditionnelle rencontre la société occidentale. C’est là que naît l’art modeste », explique Hervé Di Rosa, qui a fondé et préside depuis 2000 le Musée International des Arts Modestes MIAM à Sète. « Mon alphabet esthétique est induit par la matière, affirme l’artiste. En travaillant avec les artisans, ce que je cherche, c’est d’être colonisé par l’autre. » En 2023, Hervé Di Rosa envoie ses voeux, une bouche au large sourire, sa signature. Le Musée du sourire garde précieusement cette carte qui rappelle la date d’ouverture du musée dans sa version lieu physique. Une carte porte-bonheur en quelque sorte. Le site d’Hervé Di Rosa
Peintre sans pinceau, Joël Ducorroy se définit lui-même comme un artiste « plaquetitien ». Dans un souci constant d’accessibilité, Joël Ducorroy (né en 1955) s’impose comme un humoriste néo-conceptuel qui joue avec le verbe. Son intérêt pour les plaques numérologiques est né de sa fascination pour les hiéroglyphes du Louvre. Il signe ici une nature morte, une photographie en noir et blanc, montrant la statuette d’une déesse, un livre de chevet (« L’Amateur de peinture »), et une plaque numérologique où sont gravés les mots « visage souriant ». Sans aucun doute, le sourire le plus abstrait de la collection du Musée du sourire. En 2007, Joël Ducorroy a décoré le « mur des urgences » de l’hôpital Necker à Paris. Une composition constituée de plaques d’immatriculation de différentes couleurs et de mots clés significatifs comme notamment le mot « sourire » écrit en lettres blanches sur fond rouge.
Photographe globe-trotter, François Fontaine a rapporté de ses voyages en Asie du Sud Est et de la cité d’Angkor au Cambodge au début des années 2000, une série de sourires comme figés dans la jungle pour l’éternité. « Le bouddha d’Angkor » est l’une des plus belles images de ces sculptures abandonnées à la nature. Son talent : capter la fragilité de l’humain, qu’il soit vivant ou sculpté dans la pierre. François Fontaine a expos « Rêves de statues » et « Les christs de Salvador » en 2009 à la Maison Européenne de la Photographie à Paris. Né en 968, le photographe continue à se laisse guider par ses intuitions et ses émotions, à la manière d’un écrivain ou d’un cinéaste.
Le sourire inconnu le plus connu de Paris, c’est celui de John Hamon. En 2017, le Musée du Sourire a intégré à sa collection l’une de ses affiches de propagande. Sourire en coin, lèvres brillantes, le regard espiègle et le cheveu tout ébouriffé… Depuis 2001, la figure amusée du garçon aux lunettes sourit aux Parisiens. En 1999, l’artiste a 19 ans lorsqu’il prend cette photo d’identité. Tout d’abord, une bouille affichée de façon anonyme, puis affublée d’un nom, John Hamon. Oui, c’est bien le sien. L’artiste français part en campagne. Ses affiches se retrouvent sur le mobilier urbain, à l’angle d’une rue, haut perché sur les murs… Créant la surprise, la nuit, à la sauvage, son visage est projeté sur des monuments de la capitale, La BNF, Les Invalides, La Tour Eiffel, Le Palais de Tokyo… Un slogan prémonitoire surgit : « C’est la promotion qui fait l’artiste ou le degré zéro de l’art ».
Cela ressemble à un tableau d’entomologiste ou plus exactement à une boîte de lépidoptériste. Mais en s’approchant, on découvre de délicats copeaux vernissés de crayons de couleur dévoilant une galerie de sourires. Une référence sensible à un geste qui appartient à l’enfance. Délicatement colorée et fragile, l’œuvreest signée de Sébastien Goujou (né en 1978), diplômé de l’Ecole des Beaux-Arts de Nancy. Sébastien Gouju manipule notre environnement visuel et les signes d’inspirations naturalistes présents dans la culture populaire. Minéraux, faunes et flores sont régulièrement convoqués dans la mise en scène de leur distanciation à n’être qu’un élément de décor. Il s’agit d’une pièce unique appartenant à la série Les Papillons acquise en 2008 auprès de la galerie Semiose. Le site de Sébastien Gouju
Le sourire d’un jeune homme reproduit en dentelle de béton, c’est l’incroyable création réalisée en 2024 par François-Charles Génolini pour le Musée du sourire. La pièce mesure 1m x 2m et pèse à peine 5kg. Cachant ses yeux avec son Sweat-shirt Goggle à capuche, le garçon a laissé surgir avec innocence un sourire éclatant. C’est à partir du portrait du photographe Bernard Martinez que l’œuvre a pris forme dans les ateliers de Mazères-Sur-Salat (Haute-Garonne). Diplômé de l’Ecole supérieur de Design Industriel, Françoise-Charles Génolini, né en 1971 à Toulouse, s’est fait connaître en créant une partie du vestiaire Chanel Haute-Couture hiver 2014-15 de Karl Lagerfeld. « Donner au béton la souplesse d’un tissu était loin d’être une évidence », explique l’artiste qui a choisi pour cette trame vibrante de teindre dans la masse les pastilles de béton d’un blanc lumineux. Il faut du recul pour comprendre le motif. La profondeur s’inscrit dans le mouvement.
Grâce à Invader, le surprise se propage partout dans le monde à travers ses mosaïques que le street artist français installe dans la rue dans les coins les plus improbables et difficiles d’accès, et en toute illégalité. Son portrait souriant du Dalaï-Lama, composé de 400 Rubik’s Cubes made in China (format 111cm x 111cm), résonne comme une icône du sourire, avec celle de sa Joconde. Un travail inauguré en 2005 avec la série des « good men » et des « bad men » comme le méchant JR dans la série américaine Dallas. Des icônes universelles inscrites dans l’inconscient collectif détournées par l’artiste. Acquise auprès de l’artiste, le tableau a fait partie de la collection du Musée du sourire, de 2010 à 2021. Invader a posé subrepticement près de 4 000 mosaïques-pixel dans des dizaines de villes, à travers 32 pays. En toute réjouissance, et surtout en toute illégalité, sur les murs, les façades, les ponts, au coin des rues ou des avenues, à Paris, New York, Londres, Tokyo, Bangkok, Mombasa, Katmandou ou encore Los Angeles… Ce leader du Street art « envahit » les plus grandes capitales avec ces petits et grands aliens colorés ou noir et blanc, suivant un plan d’occupation très méthodique, suivi pas à pas sur Internet. Ainsi, aujourd’hui, quelque quatre mille fans traquent ses interventions dans la seule ville de Paris où se cachent déjà des centaines de mosaïques. « Leurs photos se retrouvent sur Flickr. J’ai ainsi des nouvelles de mes petits. Mais mon programme d’invasion est loin d’être terminé ! », s’amuse l’artiste. Situés à des endroits névralgiques, ses « envahisseurs », véritables virus artistiques tout droit sortis du jeu vidéo culte des années 80, sont vus chaque jour par des millions de personnes. Agissant la nuit, le visage toujours masqué, Invader est un artiste recherché par toutes les polices urbaines au même titre que le Britannique Bansky, poursuivi pour ses pochoirs anti militaristes à Gaza, ou encore le colleur d’affiches américain Shepard Fairey, rendu célèbre avec le poster Hope à l’effigie de Barak Obama. Hacker dans l’art : une profession à risques ! Trouver la faille dans le système n’est pas sans danger. « Mon invasion la plus spectaculaire s’est produite en Californie en 2000, raconte Invader. Pour installer un space invader sur chacune des fameuses lettres Hollywood, j’ai du intervenir plusieurs fois et déjouer la surveillance par hélicoptère. » Invasion ou évasion ? « Ce travail est devenu une obsession, explique l’artiste. Dans ma poche, mon mètre ne me quitte jamais. J’ai pensé 10 000 fois arrêter, mais je ne l’ai jamais fait !… Le 800e à Paris a été posé, il pèse 40kg, je l’ai installé carreau par carreau, en 3 heures. Je suis en repérage permanent. Y compris lorsque je vais au cinéma. Un jour, après avoir vu un film de Claude Lelouch, je suis retourné envahir le lieu que j’avais repéré lors d’une scène… » La plus grande mosaïque ? 8 m x 4 m, posée à Los Angeles. « J’ai transporté des dizaines de sacs de ciment. Je me suis fait aider par deux Mexicains, des professionnels ! Durée de la performance : toute la nuit. » La France se désespère de ne pas avoir assez d’artistes français à l’étranger… C’est ignorer qu’Invader est français ! Le mois dernier, cet ancien étudiant des Beaux-Arts de Paris et diplômé d’un master en hyper média qui vient de publier l’album des 500 premiers space invaders à Paris, a décidé d’installer sa base arrière à Montreuil, en Seine-Saint-Denis. Dans son atelier baptisé « L’unité centrale », il prépare ses prochaines expositions chez Jonathan LeVine, à New York, en juillet, et à la galerie Lazarides à Londres, en septembre. Un de ses deux assistants s’affaire à réaliser un des tableaux en Rubik cubes autre signature de l’artiste. L’œuvre est composée de 400 Rubik’s Cubs. On devine la couverture de l’album « Breakfast in America », l’une des dix pochettes de disque de la série « Top ten » en cours de réalisation. Des Sex Pistols à Supertramp, Invader donne vie aux icônes et a fondé le mouvement « RubikCubiste ». Ce travail a été inauguré en 2005 avec la série des « bad men », des membres de la bande à Bader au satanique JR, le sale type de la série Dallas. Puis sont venus les portraits des « gentils », comme celui du Daïla Lama, tout sourire. Des icônes universelles inscrites dans l’inconscient collectif. Dans la « spaceshop » du site Internet www.space-invaders.com, régulièrement, Invader propose des kits d’invasion à poser chez soi. Inscrivez-vous à la newsletter et soyez rapide ! Les 150 œuvres numérotées signées s’arrachent en moins de 20 minutes. Egalement, des cartes d’invasion ville par ville, des catalogues, sérigraphies, stickers, t-shirts. Pour compléter la panoplie du parfait envahisseur, procurez-vous les baskets « R_invader» ; grâce à l’empreinte « 01 point » en relief sous la semelle, elles permettent à chacun de faire passer le buzz… juste en marchant !
Catherine Ikam et Louis Fléri créent des environnements virtuels interactifs depuis 1990. Ensemble, ils ont conçu « L’Autre », une cire anatomique réinterprétée par un système de saisie laser, présenté en 1992 à la Fondation Cartier à Paris. « L’Autre » est un visage souriant. Plus on s’approche de la source, plus le simulacre numérique vous sourit. Oscar, présenté en 2007 à la Maison Européenne de la Photographie, sourit de toutes ses dents, un leurre apprivoisé. Son portrait figure dans la Collection du Musée du sourire depuis 2018. Les « Portraits particules » montrés en 2016 à Enghien-le-Bains continuent de surprendre. Et d’autres sourires virtuels à venir.
Woman in bath de Roy Lichtenstein est un tableau de 1963, conservé au Musée Thyssen-Bornemisza à Madrid. La Musée du sourire fait l’acquisition d’une lithographie datée de 1986. On reconnaît les points de trame « ben-day », la marque de fabrique de Lichtenstein. L’artiste copie l’effet de tramé qui permet à l’impression de produire un mélange visuel avec le blanc du support. Le terme « ben-day » ou « benday » évoque les points qui apparaissent lors du procédé. Son nom vient en 1896 de son inventeur, l’imprimeur américain Benjamin Day. Lichtenstein met au point une technique de masque pour produire les points de trame, les points sont exécutés à la pointe du pinceau directement. Lichtenstein accentue par la suite l’effet décoratif de ces points en les grossissant et en les peignant sur une tôle perforée mécaniquement. Le sourire éclatant gagne en force et luminosité. Critiqué pour avoir introduit l’iconographie de la bande dessinée et de la publicité dans son art dès les années 60, Roy Lichtenstein est aujourd’hui reconnu comme l’un des pionniers du Pop Art américain. « Je parie que tu n’es pas capable de peindre aussi bien que ça, hein, papa ? » lance à l’artiste l’un de ses fils qui feuilletait un album de Mickey. De cette boutade naît Look Mickey. Cette toile présente un agrandissement d’une vignette de bande dessinée avec deux personnages créés par Walt Disney: Mickey et Donald. Roy Lichtenstein n’est ni l’auteur des personnages ni celui de la scène dans laquelle ils se présentent. Il décrit lui-même son style comme étant « aussi artificiel que possible ». Peinte en 1961, l’œuvre devient vite une icône du Pop Art américain. Le terme « pop » évoquant le style « populaire » en anglais.
Photographe et vidéaste, Mireille Loup loge le sourire là où on ne l’attend pas ! A l’Ecole de la Photographie d’Arles, en 1994, Mireille Loup avait exploré le contre-sérieux. On la retrouve à travers une série d’auto-filmages sur Youtube. L’artiste se filme dans le rôle de plusieurs personnages caricaturaux. Elle y dénonce la bêtise haute en couleur. Une parodie du kitsch et une critique acerbe de la société. Née à Lausanne en 1969, Mireille Loup réjouit le monde de son regard acide et tendre.
D’origine suédoise, Karin Lewin est arrivée en France en mai 68 avec la frénésie d’une jeune artiste inspirée par l’art en train de se faire. Dessinatrice, plasticienne, elle réalise des performances. Le Drapeau du sourire s’inscrit dans la série « Les Drapeaux de L’Artiste » initiée en 2007 et exposée pour la première fois en 2009 à Paris, au Rond Point des Champs-Elysées, au Grand Palais, Place de la Concorde, Rue Royale, Rue Saint-Honoré, Place Vendôme, Rue de Rivoli… « Ce qui me frappe dans l’œuvre de Karin Lewin, c’est une sorte de lumière printanière qui éclaire le petit univers familier et quotidien de l’intérieur », confie Jean-Marie Drot. Il poursuite : « Quelque chose de mutin, un goût d’enfance que rien n’avait encore détruit. Avec la représentation quasi obsessionnelle des différents outils du peintre, Karin nous entraîne de manière inattendue vers un Paradis vert, vers une poésie que cette panoplie d’instruments n’annonçait guère. Quoi de plus commun, en principe, qu’un pinceau ! » Le site de Karin Lewin
Toute petite, elle rêvait d’être illustratrice… Pascale Moteki est née à Toulouse en 1973. Sa sœur Agnès lui a permis de réaliser ce rêve en fondant avec elle la marque Madame Mo pour laquelle Pascale imagine des personnages et raconte des histoires. En 2003, le Musée du sourire lui a demandé de réaliser une animation mettant en scène la rencontre de son héroïne avec Mona Lisa au Louvre… Contagieux, un sourire se partage…
Monsieur Chat est une création graphique de l’artiste franco-suisse Thoma Vuille, apparu en 1997 à Orléans. Il ravit les Parisiens dans le métro, sur les murs lacérés dans la rue… Son chat orangé arbore un sourire enjoué, aussi malicieux que le personnage du roman de Lewis Carroll, Le Chat du Cheshire, dans Alice aux Pays des Merveilles. Un sourire qui ne défaillit jamais malgré ses déboires parfois avec la justice. Dans sa version carton, il a intégré la Collection du Musée du sourire à l’occasion de la FIAC off 2016.
Connu en tant que philosophe, auteur, éditeur, et maître de méditation, Fabrice Midal a décidé très tôt de faire voler en éclats ses propres repères. De tradition juive ashkénaze, il prend conscience dès l’âge de sept ans que cette religion n’est pas satisfaisante excluant complètement de son discours la question de « l’amour et de l’immensité de l’amour ». Voulant combler sa déception, il se tourne vers l’art, tout d’abord en passant un DEA d’histoire de l’art à la Sorbonne. Il obtient son doctorat en abordant la question de « L’œuvre d’art comme expérience du sacré ». Les réponses à ses questions, il les trouve dans la pratique de la peinture et du dessin, dès les années 1990. Fabrice Midal expose à la galerie Elisabeth Valleix à Paris en 1996. Ses collages et ses dessins font partie des premières acquisitions du Musée du sourire. La légende : « Ils vécurent ensemble dans une joie sans mélange » est écrit au crayon à papier. Elle commente avec poésie et tendresse ces jeunes mariés, simples stickers.
« Looping » (2004), c’est le travelling psychédélique des artistes Petra Mrzyk et Jean-François Moriceau, une œuvre vidéo projetée en boucle dans le Musée du sourire. Le film d’animation en noir et blanc fait défiler sans ordre ni hiérarchie des sourires moqueurs ou grinçants, des doigts dans l’oreille, des sexes rebelles… Toutes les saynètes sont inspirées de faits-divers. C’est à la fois effrayant et drôle. L’œuvre est une commande aux artistes de Michèle Monory, fondatrice de la collection DVD’ART. Art-netart
À l’occasion de l’exposition Art For The Masses au Museum of Tomorrow de Taipei, le street-artist américain Kaws a collaboré avec l’artiste chinois Yue Minjun connu pour ses personnages riant pour réaliser une variante de son Companion. 500 pièces ont été produites en 2008 et n’ont été vendues qu’au musée taïwanais. L’artiste Yue MinJun est représenté par la galerie Templon en France
Nøne Futbol Club est un duo d’artistes fondé en 2009 à Paris. Ils se sont fait connaître avec Work n°078 : Ram-raid, une performance filmée par des caméras de vidéosurveillance : à bord d’une voiture, ils défoncent la porte de leur atelier aux Beaux‑Arts de Paris. Depuis, ces anciens étudiants en graphisme associent l’objet, le mot et la réflexion sur la valeur de l’art pour dénoncer radicalement, avec humour, les enjeux sociopolitiques de ce champ. En 2014, ils réalise une série de dessins montrant des people tirés aux quatre épingles. Un regard ironique sur la chirurgie esthétique. Work n°77-mobile est une pièce unique dans la collection du musée.
Dans « Self-hybridation africaine, Femme Surmas avec Labret et Visage de Femme Euro-Stéphanoise avec Bigoudis » (2002), ORLAN réinvente le sourire en plaçant l’accent sur une tension fascinante : celle entre les yeux et la bouche. Tandis que les yeux expriment une intensité vive et une humanité universelle, la bouche, transformée par le plateau labial des femmes Mursi, devient un symbole culturel puissant, déviant du sourire traditionnel pour interroger les normes esthétiques et sociales. Les yeux : miroir d’une humanité universelle Le regard est l’un des premiers éléments qui captivent dans ce photomontage. Les yeux, empreints de vie et d’émotion, transcendent les différences culturelles et semblent porteurs d’une expression universelle de l’âme humaine. Ce sourire « aux yeux » crée un pont immédiat avec le spectateur, comme une invitation silencieuse à dépasser les apparences pour accéder à une profondeur émotionnelle. Dans cette œuvre, les yeux ne se contentent pas de regarder ; ils parlent. Ils sourient avec une chaleur et une sincérité qui contrastent avec la transformation imposée à la bouche. Ils deviennent le point de contact, le lieu où se jouent la communication et la réconciliation des différences. La bouche transformée : un sourire qui interroge En revanche, la bouche, marquée par le labret des femmes Mursi, interrompt le sourire tel qu’il est perçu dans les canons occidentaux. Ce cercle imposant, qui élargit et déforme les contours habituels des lèvres, ne se contente pas d’être un ornement. Il devient un acte de revendication esthétique et identitaire. Ce « sourire » dévié questionne les attentes culturelles : pourquoi un tel ornement, symbole de beauté et de maturité dans une société africaine, provoque-t-il souvent un malaise ou un jugement dans un contexte occidental ? La bouche transformée illustre les contraintes que chaque culture impose sur les corps. Elle symbolise une beauté ritualisée, définie par des pratiques ancestrales, et met en lumière l’absurdité des jugements ethnocentriques. ORLAN, en hybridant ces esthétiques, déplace la bouche hors de son rôle d’expression émotionnelle pour en faire un support de réflexion sur les normes sociales et les dialogues interculturels. Un sourire en tension : l’humain contre la norme Ce contraste entre les yeux souriants et la bouche transformée crée une tension fascinante. Les yeux rappellent ce qu’il y a de commun dans l’humanité : la capacité de communiquer des émotions profondes, d’établir un lien sincère et direct. La bouche, en revanche, est aliénée par les normes, qu’elles soient celles des bigoudis européens, symboles d’un conformisme domestique, ou du plateau labial, marqueur de beauté et de statut dans une culture différente. Cette tension nous invite à réfléchir : dans quelle mesure nos propres expressions sont-elles modelées, voire dictées, par des schémas culturels ? Quel est le poids des normes sur ce que nous considérons comme un « vrai sourire » ? La beauté redéfinie à travers le sourire En jouant sur cette dualité, ORLAN transforme le sourire en une métaphore de la diversité et de la complexité humaine. Les yeux, universels et intimes, montrent que la beauté réside dans l’expression sincère des émotions. La bouche, quant à elle, rappelle que cette expression est souvent façonnée, transformée, voire bridée par les cultures. Ce sourire « hybride » devient une invitation à repenser la beauté, non pas comme une conformité à des normes figées, mais comme une célébration des différences. ORLAN révèle que la beauté véritable réside dans cette tension : entre ce qui nous unit en tant qu’humains et ce qui nous distingue en tant qu’individus façonnés par des contextes uniques. Une œuvre humaniste et réflexive « Self-hybridation africaine » dépasse la simple exploration esthétique pour proposer une réflexion sur la condition humaine. En contrastant les yeux et la bouche, ORLAN interroge les notions de communication, d’identité et de beauté. Son œuvre rappelle que, si les normes culturelles peuvent déformer nos expressions, elles ne peuvent jamais éteindre la lumière qui brille dans le regard – un sourire aux yeux, universel et intemporel, capable de transcender toutes les frontières. Self-hybridation africaine, Femme Surmas avec Labret et Visage de Femme Euro-Stéphanoise avec bigoudis, 2002 ORLAN.eu
Perché sur de longues jambes rectilignes, Monsieur A est un personnage souriant souvent coiffé d’un haut de forme. Ses yeux, l’un rond, l’autre marqué par une croix, semblent vous faire un clin d’œil. André Saraiva est né en 1971 en Suède, ses parents ayant fui la dictature fasciste de Salazar au Portugal pour s’installer au nord de Stockholm. A 13 ans, Monsieur André fait ses premiers graffitis et signe à Paris de son prénom en rose, couleur peu courante dans le graffiti. En 2019, le Musée du sourire fait l’acquisition d’un dessin sur rouleau suspendu chinois auprès de la galerie Magda Danysz. > Le site de Mr André
Une oeuvre engagée contre la barbarie et l’intolérance. Révéler par l’image les processus humains qui fondent une réalité dont la valeur sociale justifie la critique, tel est le projet artistique du photographe américain Andres Serrano. Des portraits dans la tradition de la photographie humaniste qui prennent une force supplémentaire, celle de la simplicité et de la grandeur d’âme. Le sourire de La Diseuse de bonne aventure, Juana Rios Rios, dite « Juana de Cubana » (2012) illustre cette appétence pour la beauté d’un visage, la vérité d’une expression. « J’ai fait de Cuba mon studio », explique l’artiste. Un bel hommage à ses racines et à sa mère cubaine. Acquise auprès de la galerie Nathalie Obadia, la photographie fait partie de la Collection du Musée du sourire depuis 2016.
Un sourire Banania entre au Musée du Sourire par le biais d’une oeuvre graphique d’Hervé Télémaque, signée, datant de 1964, au format 25 cm x 25 cm, sur papier Velin de Rives (n°81). « Y’a bon » est la première lithographie du co-fondateur de la Fondation narrative. Elle répond à une commande du critique d’art Jean-Jacques Lévêque qui réunit cinq peintres dans un livre intitulé « Royal Garden Blues » : Hervé Télémaque, René Bertholo, Peter Klasen, Bernard Rancillac, et Jan Voss.
Privé d’une partie de ses facultés visuelles, Jean-Joseph Sanfourche, dit simplement Sanfourche (1929-2010) exerçait son art en s’appuyant sur la sensation et l’intuition. Son travail a été encouragé par Jean Dubuffet, membre fondateur du courant de l’Art Brut, qui fera connaître son art. Toujours, des personnages souriant aux yeux écarquillés viennent s’entremêler dans ses œuvres, et nous saluent souvent d’un signe de la main. Son œuvre « Hommage au Facteur Cheval » (2004) est emblématique de son travail. Au premier plan, cinq personnages à la peau rouge et aux yeux écarquillés nous font face. Dans une quasi symétrie, deux d’entre eux font un signe de la main. Saluent-ils le spectateur ou le Facteur Cheval ? L’un tient un panneau lui étant adressé. Il est écrit : “Mr le Facteur Cheval nous venons visiter Votre Palais Idéal”. Deux individus ne sont présents que par leurs yeux curieux ; pour le reste, les sourires laissent transparaître l’enthousiasme de leur visite. L’affiche fait partie de la collection du Musée du sourire depuis 2004.
300 sourires projetés sur la façade du Rockfeller Center à New-York, c’est l’exploit de la photographe Agnès Winter en 2008. Agnès Winter a créé l’événement à New-York, en projetant sur la face nord du 30 Rockefeller Center, sur la Ve Avenue, les visages souriants des New-Yorkais. « Monument au sourire » est l’intervention la plus spectaculaire jamais accomplie sur le sujet », explique l’artiste à juste titre. Une façon de conjurer l’attentat du 11-Septembre en redonnant le sourire à New-York ! Agnès Winter a célébré les 60 ans de la Déclaration Universelle des Droits de l’Homme (2009) en projetant une centaine de sourires de Parisiens sur la façade du Palais de Chaillot à Paris.
« Saisir l’instant, exprimer l’émotion, attraper le geste ou l’ambiance de la chose vue… », tel a été le chemin de Sabine Weiss (née en 1924), dernière représentante de la photographie humaniste incarnée par Robert Doisneau. Elle a photographié avec bonheur les amoureux, les pauvres mais aussi les enfants, dans le Paris des années 1950… et dans le monde entier. Icone du XXe siècle, le portrait de La petite Egyptienne réalisé en 1983 lors d’un voyage au Caire avec Hugh Weiss a rejoint la Collection du Musée du sourire. « Cette petite vendait des poupées de chiffon. Elle est la joie de vivre », se souvient Sabine Weiss.
Le sourire de Julia est une création de Christophe Weber, artiste multimédia français. Rencontré en 2007, à l’occasion du Festival du sourire, Christophe Weber a réalisé un miroir à sourire tel un miroir de maquillage. Programmeur, photographe, il a su créer une machine à produire du sourire en aléatoire, une installation appelée « Lips me ». Le rouge sur les visages photographiés est produit par du code. Ces sourires informatiques sont particulièrement originale. Le Musée du sourire a acquis la planche de sourires de Julia auprès de l’artiste lui-même.
Il a fait de l’art, sa discipline, et du sport, son domaine de contre-performance. Avec ironie, Thomas Wattebled (né en 1990) délivre ses télescopages visuels en champion du dessalage en art et autres échouages du langage. « Il faut jouer pour devenir sérieux », disait Aristote. A travers « Ball-Trap en famille » (2013), Thomas Wattebled place les visages souriants de la famille royale d’Angleterre dans des assiettes de ball-trap, fragiles et pop à la fois. Un shooting qui devait trouver tout naturellement sa place au sein du Musée du sourire.
Faisant référence au projet « Artist Shit » (1961) de Piero Manzoni, Nari Ward a enfermé les sourires de sa fille, son fils et ses propres sourires, « mettant ainsi en boîte » le cliché du joyeux personnage de ménestrel jamaïcain et afro-américain. Le label « Made in Jamaica/Made in America » rappelle la double identité de l’artiste et le processus culturel de classification des personnes en fonction de leur origine. Sa fille et son fils ont souri face à un miroir dans les boîtes de conserve « Black Smiles », tandis que lui-même a souri dans les boîtes de conserve « Jamaican Smiles ». Ce geste apparemment absurde évoque le rapport au vide, à l’éphémère, et souligne le regard qui est porté sur la catégorisation de l’identité raciale. Né à Saint Andrew en Jamaïque en 1963, Nari Ward est arrivé aux États-Unis à l’âge de 12 ans. Il a d’abord vécu dans le New Jersey puis à Harlem, dans les années 90. C’est dans le quartier de l’Upper Manhattan que Nari Ward a appris à créer en utilisant des objets trouvés dans la rue aux alentours de son studio, inspiré par le peintre et artiste graphique américain Robert Rauschenberg, l’artiste conceptuel Joseph Beuys et le sculpteur Noah Purifoy. Les « Canned Smiles » (2013), de Nari Ward ont rejoint la collection du Musée du sourire en janvier 2023, acquises auprès de la Galleria Continua.
Héros transmédia, Elyx est un petit personnage tracé au fil et inventé par l’artiste Yacine Ait Kaci en 2011. Un travail hybride mêlant photographie et dessin croqué sur le vif. Il y a du Keith Haring – avec son célèbre bébé rayonnant – dans ce petit bonhomme au trait stylisé et à la forme dynamique très expressive. L’artiste dessine Elyx sur un carnet de croquis, le faisant réagir à son environnement. Pour le Musée du sourire, Elyx a arpenté les rues de Lisbonne, tout sourire.